Contraculturalmente

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Dave Cooper é um reputado artista, conhecido pelos seus quadros anti-eróticos de mulheres obesas com grandes dentes. Gavin McInnes é um indivíduo que deveria estar preso e considerado inimigo nº1 da moral e bons costumes. Em vez disso, fundou a Vice Magazine, uma revista gratuita dedicada às artes independentes, tendo publicado interessantes guias para a vida moderna como Bukkake On My Face: Welcome to the Ancient Tradition of the Japanese Facial e The Vice Guide to Eating Pussy . Dave Cooper providencia a arte para o argumento (?) de Gavin McInnes, neste extravagante Completely Pip and Norton, volume 1 (uma colecção no total de um volume).

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Um regresso a Alan Moore, desta feita com um bonito relato sobre amor real e pornografia ilustrada.

Em 1991, Alan Moore iniciou mais um projecto rodeado de controvérsia. Inicialmente aliciado pela revista Taboo, o escritor aliou-se à pintora Melinda Gebbie, com o intuito de criar uma banda desenhada pornográfica. Moore, com era seu hábito, escreveu prontamente o argumento completo. Gebbie não se adaptou a desenhar sobre uma história já completamente definida, preferindo criar à medida que as personagens se desenvolviam, e não pintar sobre o trabalho dos outros. O génio criador de Moore encontrara finalmente quem lhe fizesse frente. Subjugado, não teve outro remédio senão jogar pelas regras de Gebbie. O projecto arrasta-se então por longos e penosos anos de pesquisa sobre histórias infantis e posições sexuais, com aulas práticas à mistura.

15 anos depois, Alan Moore e Melinda Gebbie estavam casados.

16 anos depois, é finalmente editado Lost Girls.

No início da primeira guerra mundial, três mulheres encontram-se por acaso num hotel Austríaco. Dorothy Gale, uma jovem adulta, a trintona Wendy Darling e a idosa Alice Fairchild. Face a monotonia do lugar, as três senhoras iniciam uma troca de relatos aventurosos sobre as suas experiências sexuais prévias. Dorothy conta da sua desvirginação às mãos de três fazendeiros, aquando da passagem de um furacão pelo seu Kansas natal. Wendy relembra as suas aventuras com um pequeno sem-abrigo de seu nome Peter Pan, líder de um gang de inadaptados chamados Lost Boys. Alice, a mais experiente do grupo, seduz as suas companheiras com as suas façanhas bisexuais aos 14 anos, num longínquo país de maravilhas.

Bem para além da perversão (cuidada e completa com referências às obras originais) submetida a estas personagens do imaginário popular, está o trabalho artístico de Lost Girls. Cada relato é ilustrado com um conjunto de paletes de cores e estilo de vinheta diferentes. Os paineis de Alice, bem coloridos, são em forma de espelho oval. Os de Wendy são escuros, altos, reprimidos e vitorianos. Os de Dorothy são amplos e em tons de pastel. A atenção ao detalhe peca apenas por ser algumas vezes demasiado gráfica.

Censurado em diversos países pelo seu conteúdo chocante e provocador, Lost Girls foi no entanto justamente louvado pela crítica especializada. Este esforço conjunto do casal Moore/Gebbie poderá ser mais facilmente encontrado em Portugal do que no próprio Reino Unido, onde a obra foi vetada pelas autoridades responsáveis pela moral e bons costumes. Recorram às encomendas em lojas de banda desenhada de importação, sem problemas de consciência.

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Estamos em Tokyo, cidade onde tudo acontece. Cientistas criam acidentalmente um Dinossauro falante de dimensões colossais que rapidamente espalha o caos na cidade, rebentando com tudo e todos, e criando com a sua saliva um exército de répteis apreciadores de carne humana. Cabe a Rusty e Big Guy, a maior dupla robótica de todos os tempos, parar esta ameaça para que a "suposta" capital Japonesa sobreviva para futuros ataques.

Big Guy and Rusty, the Boy Robot, um livro de Geof Darrow e Frank Miller é uma visão ocidental do mundo super-heróico Japonês, com todos os clichés. À invasão de Tokyo por um ser em tudo semelhante a Godzilla, respondem prontamente os governos Japonês e Americano com um pequeno andróide inspirado no clássico Astroboy e um típico robot gigantesco capaz de carregar duas bombas de neutrões debaixo dos braços.

A arte detalhada ao mais ínfimo pormenor de Darrow encontra na escrita violenta de Miller o casamento perfeito. A história, essa, assente simplesmente em destruição, destruição, destruição. E violência. E algum gore. E muito divertimento sem malícia. O ritmo da acção perde-se um pouco no estilo da arte, demasiado complicada para uma estória que se quer rápida e brutal. No entanto, longe de ser uma falha, este pormenor permite-nos sorver mais praseirosamente cada membro dilacerado, cada digestão reptiliana, cada explosão. Um pouco como fast-food e "slow food". Tudo bem que a fast-food alimenta e até poderá saber bem, mas não sabe sempre melhor uma boa refeição completa com sopa/prato/sobremesa/café?

Big Guy and Rusty the Boy Robot, editado pela Dark Horse, em dois volumes ou TPB. Para encomendar e recomendar.

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(Eu sei que vou para o Inferno por isto. No dia em que a minha alma for pesada, tenho a certeza que o São Pedro vai dizer "Hum... Tu escreveste isto assim assim... Desculpa lá, pá, não temos vagas aqui no nosso clubinho!". Mas isto é bom demais para não partilhar. Paciência, logo penso nisso quando o mafarrico me estiver a fritar no seu wok...)


Battle Pope narra a vida de um possível Santo Padre, treinado desde tenra idade pelo Papa anterior e pelo próprio Bruce Lee para se tornar no líder da igreja católica. No entanto, Battle Pope perde-se nos prazeres da carne e nos vícios da bebida, vivendo uma existência amoral, bem longe dos ideais que supostamente deveria defender. Inevitavelmente, o dia do juízo final chega à terra, e de entre um punhado de escolhidos para entrar no reino dos Céus, Battle Pope encontra-se na lista dos 668848300 condenados (número aproximado) a uma eternidade de dor e sofrimento. A raça humana entra numa sangrenta batalha contra os demónios de Belzebú pelo domínio da terra. Eventualmente, um tratado de paz é assinado entre os senhores do mundo e o Mafarrico, encerrando-se os portões do Inferno. Porém, um punhado de demónios procura ainda causar o caos no nosso planeta. Nosso Senhor não tem outra opção senão recorrer ao seu filho Jesus H. Christ e a Battle Pope para manter a paz na terra, dando-lhes a missão de resgatar o guardião do planeta azul, Saint Michael, entretanto raptado pelas forças do mal.



Uma Banda Desenhada que não se quer levar a sério, Battle Pope pega na fé de milhões e atira-a ao chão violentamente, espezinhando-a e varrendo-a de seguida para debaixo do tapete. E fá-lo com uma grande pinta. Um Papa que fuma charuto, pragueja como uma carroceiro e ainda tem uma fivela no cinto com a inscrição Pope para que não haja dúvidas quanto à sua identidade é de uma heresia muito cool. Todos os chavões associados ao Catolicismo estão nesta série, devidamente destorcidos. A título de exemplo, no número 3, Jesus é crucificado pelos demónios. Quando Battle Pope lhe pergunta se está em agonia, Jesus responde "Não é tão mau como parece, chavalo, é como tomar um duche quente, dói como o caraças ao princípio, mas depois um gajo habitua-se...".

Para os interessados, Battle Pope é editado pela Funk-O-Tron, e pode ser encomendado nas lojas da especialidade, podendo eventualmente ser encontrado à venda no nosso país com muita, muita sorte. O primeiro número encontra-se disponível online (a cores, pela primeira vez) e é completamente grátis! Clicai aqui, hereges sacripantas!

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É difícil escrever sobre Alan Moore. Difícil porque é praticamente impossível saber-se por onde se começar, tal a imensidão da sua obra. A sublime revitalização de Swamp Thing e Miracleman, e a criação de Hellblazer, From Hell, V For Vendetta e League of Extraordinary Gentlemen, só para citar as obras que foram adaptadas (sem autorização) ao cinema falam por si. Difícil porque um indivíduo que consegue ser ao mesmo tempo vegetariano, anarquista, mago e adorador do Deus-Serpente Glycon é demasiado fascinante para ser traduzido em metáforas e simbolismos. Difícil por ser genial. Adopte-se a saída mais fácil e deixe-se que a obra fale pelo mestre.


Watchmen, de 1986, é o mais importante trabalho mainstream de Alan Moore. Nos anos 80, a DC havia adquirido os direitos de uma editora obscura de banda desenhada de seu nome Charlton. A editora contacta Moore e Dave Gibbons para dar vida aos heróis dessa defunta companhia, trazendo-os para o universo DC. Moore opta por fazer algo visto na altura como revolucionário: com base nas personagens da Charlton, cria um novo rol de heróis e um universo à parte e, inteligentemente, elabora um livro de banda desenhada com princípio, meio e fim, destruindo qualquer hipótese de sequela ou posterior aproveitamento das personagens e mitologia por parte da DC.



Watchmen é encarado como uma tese sobre o possível impacto da existência de super-heróis no mundo real. No entanto, salvo uma excepção, nenhum destes super-heróis possui poderes especiais, limitando-se a serem pessoas mascaradas. A condição humana destes heróis é amplamente explorada. São os medos, aspirações, desejos, fobias e crenças pessoais que dão profundidade às personagens, não a sua capacidade de combate ao crime. Cada capítulo é relatado por uma personagem diferente, alterando-se a percepção de eventos dependendo do ponto de vista, de forma não linear, plena de simbolismo. Watchmen significa ao mesmo tempo "Relojoeiros" e "Observadores". Tudo neste livro é tão vasto e ao mesmo tempo preciso. Nada acontece por acaso.

Watchmen é um exercício de escrita. Exemplo maior no capítulo 5, em que a primeira página reflecte a última, a segunda reflecte a antepenúltima, e por aí em diante. Por ter criado uma banda desenhada de super-heróis adulta e densa, Alan Moore acumulou variadíssimos prémios, sendo Watchmen a única banda desenhada a ter sido distinguida com o Hugo Award, prémio reservado às melhores obras de ficção científica.

Sendo esta uma BD altamente cinematográfica, e no entanto impossível de ser filmada, a adaptação de Watchmen ao cinema está na calha, devendo estrear em 2007. Moore está mais uma vez contra esta adaptação. Desta vez, os fãs também. Há obras que deveriam ser intocáveis. Enquanto que o universo de Watchmen não fica perpetuamente arruinado por Hollywood, releiam ou descubram a obra, em formato TPB (versão inglesa), nas lojas da especialidade.

Opto por não relevar nada da trama de Watchmen. Não é humanamente possível fazê-lo.

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Possuo um ódio de morte pelo Super-Homem. Poderia justificar esse meu ódio recorrendo ao velho ensinamento que meu pai me transmitiu um dia (homem que veste cuecas vermelhas por cima das calças nunca poderá ser super), mas não o vou fazer. O meu ódio é muito mais profundo e justificável. Citando directamente o genérico da série de animação subordinada à personagem, Superman, um ser perfeito, inquebrável e invencível, luta pela verdade, justiça e o "American Way". Ora, tendo em conta os eventos do passado mais recente envolvendo a política externa dos Estados Unidos, juntar "American Way" às palavras justiça e verdade não cola. A primeira aparição de Superman, aliás, foi na forma de um vilão superpoderoso com pretensões à conquista mundial. Que positivo para nós que Superman tenha sido posteriormente convertido à causa americana...

Posto isto, adoro quando o grande herói Americano de Krypton leva uma bela sova. Especialmente quando essa sova é aplicada pelo autodenominado "maior lutador de todos os tempos", o grande, o inimitável, o artista anteriormente conhecido por Cassius Clay, Muhammad Ali!



Superman vs Muhammad Ali é apenas um dos muitos livros de banda desenhada nos quais celebridades de carne e osso se unem a personagens da 9ª arte, um género muito em voga nos anos 70. E se a ideia de se juntar o maior pugilista de todos os tempos ao maior canastrão desenhado de todos os tempos vos parece ridícula (porque é), o certo é que este livro vendeu como ginjas nos idos de 1978.

A história começa com uma invasão extra-terrestre. Os aliens, sedentos de sangue, propõem à humanidade que eleja o seu melhor lutador para defrontar o campeão inter-galáctico num combate de boxe. Se o campeão terrestre vencer, os invasores partirão em paz. Caso contrário, espera-nos milénios de escravidão, dor e sofrimento.

Dois lutadores assumem a responsabilidade. Superman (que devia ter sido desclassificado logo à partida por não ser terrestre) e Muhammad Ali. Ambos têm de lutar para se decidir qual será o representante do planeta azul na maior batalha de todo o cosmos (segundo os entendidos).

Superman vs Muhammad Ali é um livro de banda desenhada datado, que reflecte o mundo nos anos 70. Muitos dos extra-terrestres são claramente inspirados no Star Wars, que havia estreado poucos meses antes, Muhammad Ali havia perdido o título de campeão mas continuava a ser o maior, Sony Bono ainda tinha a cabeça em cima dos ombros (se olharem bem para capa, poderão ver a sua cabeça sobre o ombro do Batman) e Superman, apesar de canastrão, era simpático e divertido, à imagem dos heróis de BD mainstream da época. A arte deste livro, hoje em dia muito retro, ganha pontos especialmente por isso mesmo, e este livro é constitui bonita uma curiosidade para todos os amantes de banda desenhada.

E, caso estejam interessados no resultado do combate...



Superman levou tautau! Muhammad salva a terra! Obrigado, salvador Ali!



Leiam este livro na íntegra (e mais outros dentro da mesma estética) em Propaganda Comics.

Comprovem a canastriçe machista de Superman em Superdickery.com.

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Pergunta-me um amigo há uns tempos, no meio de uma conversa ultra-geek sobre banda-desenhada:

- Se pudesses ser um super-herói, quem serias?

Ao que eu respondi, alto e com convicção:

- The Tick!





- The Tick? O que é isso?

- The Tick era um super-herói que atingiu notoriedade nos anos 90, na altura do boom dos comics norte-americanos. The Tick, que em português significa "o carraça", funcionava como uma paródia a todo esse frenesim de livros de banda desenhada, ao mesmo tempo que prestava homenagem aos grandes ícones da BD, satirizando-os. A personagem ganhou algum culto em seu redor quando as suas aventuras foram transpostas para a uma série de animação e, mais recentemente, para uma outra série com personagens de carne e osso.

- Mas em que é que assentava esse comic?

- Basicamente, The Tick era um tipo vestido com um fato azul de carraça que combatia o crime, juntamente com Arthur, um contabilista envergando um traje de traça. No entanto, combater o crime revelava-se uma tarefa bastante difícil, uma vez que o mundo já se encontrava completamente lotado de super-heróis, que lutavam entre si pela captura dos vilões. Entre eles, existia por exemplo o The Caped Wonder (uma paródia ao Super-Homem, que perdia os poderes se lhe partissem os óculos), The Visible Man (um homem invisível, só que ao contrário), Wonder Maid (a Criada-Maravilha, baseada na Mulher-Maravilha) e The Running Guy (mais rápidos que dez homens rápidos).

A verdadeira força deste livro baseava-se na toada completamente surrealista e disparatada das desventuras deste personagem. Um dos poderes de The Tick era algo chamado "Drama Power", que lhe permitia ganhar um incremento de força à medida que as situações por ele vividas ficavam mais dramáticas. Os seus dentes eram à prova de bala e o herói tornava-se completamente invulnerável à noite, além de possuir um disfarce completamente original que lhe permitia passar despercebido entre a multidão.



- E isso encontra-se por aí?

- Dificilmente. A série original foi publicada originalmente em 1988, e é praticamente impossível de encontrar hoje em dia. No entanto, volta e meia surgem no mercado de importação algumas mini-séries, como por exemplo, a excelente The Tick: Days of Drama, editado pela New England Comics. A primeira temporada da série de animação saiu também recentemente em DVD.

- Hum, tudo isto me parece muito estúpido...

- Ah sim? Então e que Super-herói é que gostavas de ser?

- O Homem-Aranha.

- Então e qual é a diferença entre um homem com poderes de aranha e um com poderes de carraça?

- ...







Na verdade, a conversa decorreu mais ou menos assim:

- Se fosses um super-heróis, quem serias?
- The Tick. Um gajo vestido de carraça tem o seu charme com as meninas. E tu?
- O Homem-Aranha.
-Que falta de originalidade! Bora beber minis...

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Acredito que todas as pessoas entre os 18 e os 40 anos saberão quem é Matt Groening. Fundador da Bongo Comics, criador da série de animação mais famosa e duradoura de todos os tempos (Os Simpsons), e de uma outra não tão apreciada como deveria ter sido (Futurama), Groening possui também uma consistente carreira de cartoonista, graças às tiras de Life In Hell.

A primeira edição de Life In Hell surgiu em 1977, quando Matt Groening trabalhava numa loja de discos. Os exemplares eram fotocopiados e distribuídos gratuitamente. Eventualmente, as tiras tornaram-se um fenómeno de sucesso Underground, e começaram a ser publicadas em jornais, aumentando a sua popularidade. Ouso afirmar que sem Life In Hell não teríamos hoje Simpsons e dificilmente sonharíamos com a possível existência de Family Guy ou South Park.

As tiras de Life In Hell têm sido compiladas por temas ao longo dos anos em bonitas antologias prontas para serem devoradas por toda a petizada além-fronteiras. Por cá, a primeira compilação (Love is Hell, ou em português, O Amor É Um Inferno, editada originalmente em 1986!!!) chegou recentemente às bancas, devidamente traduzida para a língua de Camões.



O Amor É Um inferno é um olhar amargo, duro e insensível sobre o sentimento mais nobre. Não há aqui salvação possível: gays, heteros, homens, mulheres, todos levam por tabela. Os diferentes tipos de relacionamento, a grande questão do casamento, as separações, os 22 passos do desgosto de amor, os prós e contras da procriação, os 9 tipos de namorado e namorada, o amor analisado e dissecado através de cartoons bem-humorados de coelhinhos, tudo num brilhante preto e branco.

Inteligente, divertido, e assustadoramente real, este é um livro que nos consegue provar por A + B que o amor é, na realidade, um inferno, e nem vale a pena voltar a metermo-nos nele. Mas somos todos fracos e voltamos a fazer os mesmos erros uma e outra vez, não é verdade?

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Peter Milligan é um argumentista de filmes e banda desenhada conhecido pela sua longa colaboração com a DC e pelo surrealismo que imprime às suas obras. Mike Allred é um artista gráfico especializado em banda desenhada. Tendo trabalhado com a Slave Labor e a Darkhorse, o traço de Allred remete-nos para os livros de BD dos anos 50, tendo sido o responsável pela criação do muy amado Madman.

Em 2001, Allred e Milligan receberam uma proposta de trabalho da Marvel, que procurava reciclar os X-Men e seus sucedâneos. À dupla calhou os supostos futuros mutantes, a X-Force, que depois de destruída e reconstruída, passou a ser designada por X-Statix.



O conceito: Os X-Statix eram um grupo de mutantes mais preocupados com os seus direitos de imagem e merchandising do que em salvar o mundo. O grupo era financiado por um multi-milionário que posteriormente vendia os direitos televisivos das suas aventuras num misto de Big Brother com Idolos, pelo que o grupo dividia as suas actividades entre trabalho de mercenário e aparições em festas e eventos. Este comic, arrojado e inovador, trouxe bastantes amargos de boca aos fãs do trabalho habitual da Marvel. No grupo existiam várias personagens homosexuais, e a violência gráfica era algo nunca antes visto na auto-intitulada "Casa das Ideias". Decapitações, desmembramentos, muito sangue vermelhinho e um elenco em permanente rotação. Quando uma personagem começava a tornar-se demasiado popular, morria e era prontamente substituída por outra, o que impedia a identificação do leitor com a série.

Parodiando a cultura Pop e o próprio universo onde se inseriam, Allred e Milligan criaram um grupo de heróis com alguns dos poderes mais ridículos de sempre. Tínhamos Zeitgeist, com o poder de vomitar ácido, Gin Genie, que provocava tremores de terra depois de ingerir bebidas alcoólicas, Phat, um sósia gay de Eminem com o poder de engordar, El Guapo, um rapaz possuidor de um skate com consciência própria, Dead Girl, que tinha o poder de... Er... Estar morta... Entre tantos outros.

A dada altura, chegou-se mesmo a ponderar a inclusão da própria princesa do povo, nada mais nada menos que a Princesa Diana, equipada com a sua super-empatia! Foi nesta altura que a Marvel decidiu acabar com a brincadeira, censurando a ideia e substituindo a princesa por outra personagem mais ou menos semelhante. Allred e Milligan consideraram a intrusão ofensiva, e os X-Statix seriam cancelados após 26 números de subversão e desrespeito pelas regras da decência e da moral!



É por todas estas razões e também pela belíssima arte de Mike Allred que aconselho os X-Statix. Se gostam de um bom livro de super-heróis carregado de humor e malícia, procurem-no enquanto está fresco, pois este material tornar-se-á lendário, visto que a tendência da Marvel é a produção em série de livros iguais com títulos diferentes.

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Se Ran-Tan-Plan é o cão mais estúpido que a sua própria sombra, Dim-Witted Darryl é o mamífero mais idiota à face da terra!



De Michael Bresnahan e publicado pela Slave Labor Graphics (acho que já deu para perceber que compro tudo com o logotipo da SLG na capa), Dim-Witted Darryl narra as aventuras de um "miúdo" de 28 anos que estuda no 4º ano e que continua a ser amamentado pela mãe e a usar fraldas. Darryl é só um bocadinho lento e as suas aventuras giram em torno dos problemas levantados pela sua estupidez, relembrando-nos da nossa inocência infantil.



O pai de Darryl nutre pela sua cria um ódio profundo, chegando mesmo a vendê-lo por 50 cêntimos e ainda oferecendo um cão de loiça como bónus. Os seus compradores acabam por mandá-lo para o caixote do lixo ao se aperceberem da sua estupidez crónica.

Dim-Witted Darryl encontra-se com alguma dificuldade em lojas de comics. Este livro em especial não teve o sucesso merecido e como tal para o encontrar só mesmo tropeçando nele por mero acaso. Não está especialmente bem escrito e a arte nem é nada do outro mundo, mas é um livro inocente, e a sua beleza reside aí. Um regresso doentio à infância.

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Everything Can Be Beaten é um livro de Chancre Scolex (Jhonen Vasquez), com arte de Crab Scrambly (Brad Canby). Como uma boa parte do que é editado pela Slave Labor Graphics, este é mais um conto de fadas subversivo.

Era uma vez um menino mascarado chamado IT que passa toda a sua existência num quarto minúsculo esmagando gatinhos recém-nascidos que ali chegam através de um ventilador.



Um dia, IT repara a existência de uma porta no seu quarto. Ao atravessá-la, descobre um mundo inteiro de coisas bonitas à sua espera. Habituado a uma vida inteira de destruição, IT faz a única coisa que aprendeu na vida: Matar! Depois de destruir tudo e todos, IT resolve descansar um pouco, apenas para descobrir que tudo voltou a crescer e florescer. IT recomeça então a matança, mas até quando?



Everything Can Be Beaten é divertido e imaginativo ao mesmo tempo. As páginas deste livro estão agrafadas umas às outras, e todas as letras "e" estão escritas ao contrário, o que dificulta um pouco a leitura, contribuindo para um aumento da concentação de quem o lê, acabando por mergulhar mais profundamente no texto. Um livro para crianças grandes, com a sua moral estampada em letras bem grandes na capa.

Difícil de encontrar, especialmente pelo facto dos seus autores assinarem sob pseudónimo. Ainda assim, vale bem a pena procurá-lo.

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Às vezes sabe bem ler Banda Desenhada simples, cheia de destruição, explosões e pancadaria. E quando a mesma é feita com qualidade, humor e enredos ultra-simplificados, melhor ainda. Hoje há aqui NextWave!


A trama: Temos uma equipa de Super Heróis intitulada NextWave, que trabalha para uma corporação chamada H.A.T.E. (Highest Anti-Terrorism Effort), corporação essa que procura desmantelar uma outra corporação de seu nome Beyond Corporation©. Cedo, a equipa descobre que afinal ambas as corporações são afiliadas e tornam-se rebeldes, procurando desactivar as Armas Invulgares de Destruição Massiva que ameaçam o mundo. E pronto, é tudo o que temos de saber, explicado em duas páginas. Depois disto, temos acção, acção, acção!

A equipa de NextWave é constituída por heróis da Marvel habitualmente pouco usados. A saber:

Monica Rambeu


Antigamente conhecida por Capitã Marvel. Tem a capacidade de voar e manipular energia.

Tabitha Smith


Quem lia BD nos anos 80/90 poderá lembrar-se dela nos Novos Mutantes e X-Force, onde era conhecida por Dinamite. Tem o poder mutante de rebentar com coisas.

Aaron Stack


Antigamente era o Homem-Máquina. Agora também é um homem-máquina, mas dá-se pelo nome próprio. O seu poder é ser homem-máquina.

Elsa Bloodstone


Tem como particularidade o facto de ser Britânica. E também é Super-Forte.

Para esta série foi também criado um herói completamente novo, de seu nome The Captain.


Um Capitão genérico na onda de todos os capitães da Marvel, tem os poderes que forem necessários para a história progredir. Anteriormente conhecido como Captain ☠☠☠☠, mudou o nome para The Captain depois de levar uma coça do Capitão América por ter um nome demasiado ofensivo.

Do outro lado da barricada temos o antigo patrão desta Task Force, Dirk Anger, um Nick Fury gasto e patético que não gosta de mulheres mas que também não é gay. A melhor personagem da série!


As histórias de NextWave são curtas e rápidas. A equipa junta-se em torno de um monstro bem ao estilo Power Rangers, rebenta com ele e segue viagem. Porém, a arte bem leve e o humor em torno das personagens transformam esta obra num must have para coleccionadores. Já saiu o número 5, e creio que esta série só irá durar até ao 12º volume, portanto ainda vão bem a tempo de a apanhar. Como diz a publicidade a esta série, "se gostam de qualquer coisa, vão adorar NextWave"!

Como curiosidade, esta é a única BD a ter a sua própria música de genérico. Confiram aqui.

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Gangsters sisudos, Zombies imortais, macacos, gorilas e outros que tais. The Goon.


The Goon, a obra maior de Eric Powell, é um dos mais refrescantes comics da Dark Horse, tendo coleccionado já imensos prémios, incluindo Melhor Narrativa Ilustrada no International Horror Guild Awards de 2004.

Colorido e ultra-ritmado, The Goon narra a história de um suposto capanga dum Gangster chamado Labrazio, numa cidade plena de zombies, vampiros, lobisomens e outros seres sobrenaturais. Um monstro musculado, de aspecto simiesco, cego de um olho e desfigurado, The Goon mal sabe falar e aparenta possuir o QI de um recém-nascido. Não será bem o tipo de herói a que nos habituaram as grandes casas de banda desenhada, e esse é o trunfo principal da série (mas não será o único). Do lado contrário da barricada temos o Feiticeiro Sem Nome, que insiste e criar hordas de mortos vivos para aterrorizar a cidade, o que garante emprego constante ao nosso anti-herói.

A estética e o sentimento transmitido por este comic são de film-noir com cedências à vida moderna. The Goon e o seu parceiro Franky rebentam cabeças de mortos vivos com tacos de basebol e vendem protecção a taberneiros e vendedores de gelados tal como nos loucos anos 30 (o meu avô conta-me que um zombie roubou-lhe todas as couves da sua horta em mil-nove e trinta e cinco), mas no entanto não abdicam de encomendar pizza às Sextas nem de retalhar um gigantesco pirata-choco com uma motoserra, por exemplo.

O exagero e a estranheza das personagens elevam The Goon ao estatuto de meu comic preferido do momento. Um anão com uma bola de bowling presa na mão não é bem o vilão que inspira medo, mas sim compaixão (credo, tanta aliteração). O humor é negro e non-sense, mas estranhamente, tudo faz sentido na obra de Powell.

Para os curiosos, existe o primeiro TPB à venda por aí, intitulado The Goon Rough Stuff (comprei o meu na Ghoul Gear, Travessa da Trindade 30, Faro.) A Shop Suey Comics volta e meia oferece um comic do The Goon por compra, portanto se forem clientes, peçam-no na vossa próxima visita.

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O Macaco Tozé retrata a vida de um ser residente numa grande cidade do norte de um Portugal entregue aos símios, envolto numa atmosfera cinzenta própria de uma vida banal e sem futuro.


Editado pela MMMNNNRRRG e escrito por Janus, o Macaco Tozé mostra a bela e apaixonante decadência de um bairro típico de grande cidade, tão provinciano como uma qualquer aldeia perdida nas montanhas. Apresentando uma estética bem próxima da curta metragem, as short-stories giram todas à volta de sexo, álcool e violência. O macaco Tozé vai às putas, embebeda-se e briga com os taberneiros, é várias vezes preso e espancado pela polícia, arranja um emprego como carregador de estrume, e é um infeliz acomodado à sua infelicidade. O tom é mal-humorado e desconfortável. A ideia seria, parece-me, levar o leitor à gargalhada, mas na verdade, O Macaco Tozé perturba-me profundamente, e revejo neste livro um Portugal que tarda em sair da sua Portugalidade. Um soco no estômago que nos estampa um sorriso nervoso no rosto.

A arte contribui para o aspecto sujo e infecto, elevando a qualidade desta obra. BD Nacional, ao nível das melhores que lá por fora se fazem, transpirando a essência do nosso país por em todas as páginas. Descubram-no e descubram-se nas lojas da especialidade.


Uma short story do Macaco Tozé disponível aqui

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Como havia sido prometido há muitos meses atrás, hoje a secção BD de Culto debruça-se sobre as aventuras de Lenore, The Cute Little Dead Girl.


Lenore é uma personagem do grande Roman Dirge, inspirada no poema com o mesmo nome de Edgar Allan Poe. A estória principal centra-se numa menina que aparenta não ter mais de 8 anos, loura, pequenina e simpática. O seu único problema reside na condição clínica de que padece (está morta). Fascinada por gatos, Lenore passa a vida (morte) a matar e mutilar todos os que se atravessam no seu caminho, ainda que inocentemente, pois uma menina morta não consegue distinguir muito bem a fronteira entre o bem e o mal...

Num estilo muito próprio, Roman Dirge destrói o imaginário infantil de forma imaginativa e persistente. O coelho da Páscoa, os gnomos da floresta, as lengalengas infantis, tudo é deliciosamente pervertido em Lenore, the Cute Little Dead Girl. Humor negro do melhor que se pode encontrar em BD, ilustrado a preto e branco como não poderia deixar de ser.

De momento existem duas compilações de histórias de Lenore (Trade-Paper Backs, em "Americano"). O primeiro TPB intitula-se Noogies e compila os números 1 até ao 4. O segundo chama-se Wedgies e vai do número 5 até ao 8. Entretanto está para sair um 3º TPB. Para obter algum destes livros, recomendo como já vai sendo habitual a Shop Suey Comics (e eles não me pagam nada por isso...). Se ainda assim a minha prosa não vos deixou convencidos, deixo-vos com este site, onde poderão assistir a episódios animados em Flash, directamente inspirados nas primeiras aventuras de Lenore.

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Na secção Bd de Culto deste mês, trago-vos um dos maiores anti-heróis da 9ª arte, Batman, numa aventura que se destaca pelo traço do seu desenho e principalmente pelo invulgar argumento para um herói main-stream. Falo-vos de Asilo Arkham.


O Asilo Arkham é o local onde são encarcerados todos os loucos criminosos de Gotham City. Ao serem demasiado perigosos para serem colocados numa prisão normal, abandonam-nos no asilo, onde ficam eternamente a apodrecer. A situação muda quando Joker toma conta de Arkham, e juntamente com um grupo de outros prisioneiros, ameaça assassinar todos os seus reféns caso Batman não se junte a ele. O morcego vê-se assim obrigado a confrontar o seu maior rival num asilo onde todos o odeiam, e é atacado pelos mesmos criminosos que ajudou a colocar lá dentro. Com um ritmo louco e alucinado, a verdadeira estrela desta obra acaba por ser o próprio Asilo, possuindo uma atmosfera muito negra e assustadora que envolve tanto o cavaleiro das trevas como o próprio leitor.


Batman - Asilo Arkham foi escrito há 15 anos por Grant Morrison e estupendamente ilustrado pelo mestre Dave McKean. Recentemente editado pela Devir, poderá ser encontrado na Shop Suey Comics, Rua Barão de Viamonte nº 50, 2400 Leiria. Contacto: shopsueycomics@iol.pt

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Há muito muito tempo, nos loucos anos 60, havia um senhor chamado Gilbert Shelton que vivia em São Francisco. Esse senhor possuía cabelo comprido, roupas coloridas e uma imaginação fértil. Mas nessa altura, a formosa cidade de São Francisco vivia em agitação e sobressalto, devido ao Flower Power e ao Boom das drogas. Todas as drogas. Ou seja, Gilbert Shelton passou grande parte dessa década num outro mundo, povoado com elefantes cor-de-rosa e elfos verdes com dez braços. Para ele, a sua vida só começou em 1968, quando foi editada a primeira história dos Fabulous Furry Freak Brothers!


The Fabulous Furry Freak Brothers conta o dia-a-dia de três amigos, no seu dilema entre a procura de drogas e o vontade de ficar no sofá a vegetar... Marijuana, alucinogénios e estimulantes são comuns em quase todas as estórias, e, curiosamente, a heroína nunca entra no universo destes meninos.

Os “irmãos” são:

Freewheelin' Franklin, o espertalhão (aka parvalhão) do grupo


Fat Freddy, o “menos inteligente”, o desgraçado que vai sempre comprar droga para os outros e é sempre roubado na dose.


Phineas Freakears, o cientista e idealista do grupo.


Além de um hino à preguiça e ao ócio, esta obra é também uma crítica mordaz à hipocrisia da sociedade norte-americana, e mesmo com o cérebro toldado pelo abuso de estupefacientes, Shelton consegue manter as suas estórias coesas e bem humoradas, com um fio condutor preciso.

Encontrar os Freak Brothers em Portugal? Pois... Boa sorte! Mesmo pelos campos da pirataria informática, os livros são verdadeiramente difíceis de descobrir. Assim, só me resta aconselhar o site da Rip Off Press, a editora dos The Fabulous Furry Freak Brothers...

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Antes de colocar aqui o porquê da recomendação desta obra, gostaria de assumir publicamente o meu preconceito e aversão à Manga. Para o comum Ocidental, a ideia que passa é que a Manga consiste num grupo de cyborgs a lutarem uns com os outros, de uns seres de outro planeta que quando se irritam mudam a cor do seu cabelo de negro para louro platinado, ou mesmo de donzelas voluptuosas sendo perseguidas por monstros fálicos. Porém, sou uma pessoa tolerante, e agora sei ver que Manga não é só isso. Apresento-vos O Homem Que Caminha.

Desde há uns meses para cá que o Correio da Manhã tem vindo a publicar aos Sábados uma colecção de banda desenhada intitulada Série Ouro – Os Cássicos da Banda Desenhada. Se bem que uma boa parte dos livros publicados possuirão uma qualidade discutível, volta e meia aparecem umas excelentes surpresas pelo meio. No passado dia 31 do mês passado, saiu um livro de um autor que desconhecia totalmente, intitulado A Arte de Jiro Taniguchi. Segundo a pequena biografia incluída neste livro, Taniguchi é a mais importante figura do movimento denominado Nouvelle Mangá, movimento esse que procura ligar a Bd Europeia à Japonesa. Conhecendo um sucesso estrondoso na França, O Homem Que Caminha será a sua obra mais aclamada. A arte atinge um detalhe impressionante, variando os materiais e técnicas conforme o efeito desejado, e a candura dos gestos, bem acompanhada pela quase total ausência de diálogos aumenta a expressividade deste livro. Segundo o autor, “O objectivo era ir transmitindo os sentimentos e pensamentos do protagonista através das paisagens que se vêem, com a natureza a reflectir os diferentes estados de espírito do herói.”

Aqui, fala-se de um homem de meia idade que passeia pela infernal Tóquio, enquanto perde o seu tempo observando os pormenores mais simples e banais, tornando-os contemplativos, lindos e poéticos. Atente-se ao exemplo de uma das primeiras histórias, em que o homem encontra uns meninos que perderam o seu avião de papel no topo de uma árvore. O homem sobe a árvore, encontra o avião, devolve-o às crianças... E fica sentado na árvore até anoitecer, observando a paisagem...


À medida que se vai lendo este livro, a sensação de paz envolve-nos e deixa-nos num estado de relaxamento total. O Homem Que Caminha é, contra todas as minhas expectativas, a melhor obra saída desta colecção, e um dos livros mais bonitos que tive o prazer de ler. Para adquirir esta obra, contactem o Correio da Manhã ou procurem-no nas bancas dos jornais. Muitos números antigos desta Série de Ouro podem ainda ser encontrados um pouco por todo o lado, e este concerteza não será excepção.

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Death Jr , o filho do Grimm Reaper, é um bom miúdo, que gosta de estar com os amigos e nunca se mete em confusões. Tudo isso muda quando, acidentalmente, liberta um mal que pode destruir tudo aquilo que lhe é querido. Cabe a si e aos seus companheiros a erradicação desse mal, antes que o seu pai descubra...


Death Jr. É uma proposta recente da Image , vindo directamente das mãos dos autores de Gloomcookie... No fundo, a personagem principal é um menino bem comportado com cara de caveira, que gosta tanto da mãe como do pai e vai à escola todos os dias... Tem como grupo de amigos Pandora, a menina gótica, Smith & Weston, os gémeos siameses, Stigmartha, a menina que sangra pelas mãos quando se enerva, e The Seep, um estudante estrangeiro sem braços e pernas que vive num jarro. O menino deseja um dia seguir as pisadas do seu pai, o responsável pela morte, mas o seu coração não consegue distinguir muito bem a diferença entre viver e morrer.

As suas aventuras são deliciosas. Death Jr., apesar de feio e de matar tudo o que toca, é ternurento e optimista em relação à vida. O humor negro está presente, é certo, mas o que sobressai nesta obra é o pensamento positivo e a alegria de viver. Outra novidade em relação a outras obras do género é a utilização de cor nas pranchas, o que torna a atmosfera muito mais leve e refrescante.

Recentemente saiu um jogo de computador alusivo a esta personagem para a nova consola da moda, a PSP. Não estando a recomendar o jogo (que não conheço), recomendo a visita ao seu site oficial. Neste site encontra-se disponível na secção de downloads o número zero desta obra (em preto e branco, ao contrário dos outros). É um livro pequeno, mas serve de aperitivo para este comic. Tirando isso, Death Jr. Só pode ser encontrado em lojas de BD de importação, até ver.

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